はじめに
イーゴリ・ストラヴィンスキー（Igor Stravinsky, 1882-1971）は、20世紀を代表する作曲家であり、音楽史に大きな変革をもたらしました。彼の音楽は、それまでのロマン主義的な感傷から完全に決別し、原始的なリズム、鋭い不協和音、そして力強いエネルギーに満ちています。
彼の作品は、時代ごとに様式を変化させ、「新古典主義」や「セリー主義」など、さまざまな音楽の潮流を牽引しました。その革新的な音楽の裏には、ロシア革命による亡命、そして常に新しい表現を求める知的な探求心がありました。ストラヴィンスキーの音楽を理解することは、激動の20世紀を生き抜いた一人の芸術家の、飽くなき挑戦を知ることなのです。
幼少期と初期の才能（1882-1909）
法律の道と音楽への情熱（1882-1905）
ストラヴィンスキーは1882年、ロシアのサンクトペテルブルクで、著名なオペラ歌手の家庭に生まれました。彼は幼い頃から音楽に触れ、特にピアノの才能を示しましたが、家族は彼に音楽家ではない道、すなわち法律家になることを望んでいました。
彼は家族の期待に応え、サンクトペテルブルク大学で法律を学びますが、彼の心は常に音楽にありました。彼は法律の勉強を嫌い、個人的に作曲のレッスンを受け続けました。彼の父は、息子の音楽への情熱を理解し、彼を厳しく叱責することはありませんでしたが、プロの音楽家になることには反対していました。
リムスキー＝コルサコフとの出会い（1905-1909）
転機が訪れたのは、彼が23歳の時でした。彼は、ロシアの国民楽派を代表する大作曲家、ニコライ・リムスキー＝コルサコフの教えを受ける機会を得ます。リムスキー＝コルサコフは、彼の才能に驚嘆し、彼を正式な弟子として迎え入れました。リムスキー＝コルサコフの指導のもと、ストラヴィンスキーは作曲家としての技術を飛躍的に向上させました。
この時期に書かれたのが、彼の初期の代表作である管弦楽のための幻想曲『花火』です。この作品は、彼が師から受け継いだ色彩豊かなオーケストレーションと、独自の鋭いリズム感が融合したものであり、後の彼のスタイルを予感させるものでした。
バレエ・リュスとの協働と音楽史の変革（1909-1913）
ディアギレフとの出会い（1909年）
ストラヴィンスキーの人生を決定的に変えたのは、セルゲイ・ディアギレフとの出会いでした。ディアギレフは、パリでロシアのバレエ団「バレエ・リュス（ロシア・バレエ団）」を主宰しており、新しい才能を求めていました。彼は、ストラヴィンスキーの音楽に並々ならぬ才能を見出し、バレエ音楽の作曲を依頼します。
この協働は、音楽史に大きな変革をもたらしました。ディアギレフは、ストラヴィンスキーに「君の音楽は、新しい時代のバレエを創造するだろう」と語ったと言われています。
バレエ音楽三部作の衝撃（1910-1913）
ストラヴィンスキーは、バレエ・リュスのために以下の三部作を作曲しました。これらの作品は、それぞれ異なるスタイルとテーマを持ち、彼の音楽的才能の幅広さを示しています。
- 『火の鳥』（1910年）：ロシアの民話に基づくこの作品は、華やかで色彩豊かなオーケストレーションが聴衆を魅了し、彼の名を一躍有名にしました。特に、オーケストラ全体が一体となって作り出す、幻想的で神秘的な響きは、当時の聴衆に大きな衝撃を与えました。
- 『ペトルーシュカ』（1911年）：ロシアの伝統的な謝肉祭をテーマにしたこの作品は、複雑なリズムと、多調性（複数の調が同時に鳴り響くこと）を用い、聴衆を驚かせました。この作品は、彼の音楽が持つ実験的な側面を示しており、音楽が持つ表現の可能性を大きく広げました。
- 『春の祭典』（1913年）：この作品は、音楽史における最大の騒動の一つを引き起こしました。初演のパリでは、その原始的で暴力的なリズムと不協和音に、聴衆が激怒し、劇場は騒然となりました。この作品は、聴衆の度肝を抜き、20世紀の音楽に大きな影響を与え、「音楽の暴力」とまで称されました。
これらの作品は、ストラヴィンスキーをロマン主義から完全に脱却させ、20世紀の音楽の新しい方向性を示しました。彼は、伝統的な調性や形式を破壊し、リズムと音響を音楽の中心に据えました。
亡命と様式の変遷（1914-1971）
ロシア革命と亡命（1914年）
第一次世界大戦が勃発し、その後ロシア革命が起こると、ストラヴィンスキーは祖国を離れることを決意しました。彼はスイス、そしてフランスへと移り住み、最終的にはアメリカへと亡命しました。
この亡命生活は、彼の音楽にも大きな影響を与えました。彼は故郷ロシアを離れ、ロシアの民族的な要素を音楽に取り入れることから次第に離れていきました。彼は、自身の音楽を、時代の変化と自身の心の変化に合わせて、常に進化させ続けました。
新古典主義時代（1920年代-1950年代）
亡命後のストラヴィンスキーは、「新古典主義」と呼ばれる新しい様式へと移行しました。彼は、バッハやモーツァルトといった古典派の作曲家たちの形式やスタイルを再解釈し、自身の革新的な音楽語法と融合させました。
代表的な作品には、バレエ音楽『プルチネッラ』や『ミサ曲』などがあります。彼は、この時期の作品を通じて、音楽が持つ普遍的な美しさを追求しました。彼は「音楽は、感情の表現ではなく、純粋な音の構造である」と語っており、その思想がこの時期の作品に深く反映されています。
セリー主義時代と晩年の挑戦（1950年代-1971年）
晩年になると、ストラヴィンスキーはさらに新しい試みに挑戦します。彼は、当時主流となりつつあったセリー主義音楽（音列を用いて数学的に音楽を構成する手法）を取り入れ、独自のスタイルを確立しました。
代表的な作品には『アゴン』などがあります。彼は、生涯を通じて自身の音楽を変化させ続け、決して一つのスタイルに安住することはありませんでした。彼は、常に新しい音楽の可能性を探求し続けました。彼は、自分自身のスタイルを破壊し、再構築することを繰り返すことで、音楽を常に新しいものにしようとしました。
ストラヴィンスキーの音楽
ストラヴィンスキーの音楽は、彼の知的な探求心と、時代を先取りする革新性がそのまま反映されています。彼は、音楽の三大要素である「旋律」「和声」「リズム」のうち、特に「リズム」を最も重視しました。
リズムの革新
ストラヴィンスキーは、それまでの音楽にはなかったような複雑で変拍子を多用し、音楽に原始的で力強いエネルギーをもたらしました。彼の作品は、聴く者を圧倒し、まるで音楽そのものが生きているかのような感覚を与えます。
彼は、リズムを単なる拍子ではなく、音楽を動かす最も重要な要素として捉えていました。このリズムの革新は、ジャズやロックなど、後のポピュラー音楽にも大きな影響を与えました。
不協和音の活用
彼は、伝統的な調性を破壊し、複数の調性を同時に用いる多調性や、鋭い不協和音を積極的に活用しました。これにより、彼の音楽は、従来の音楽とは全く異なる、斬新で刺激的な響きを持っています。
彼は、不協和音を単なる緊張感の表現としてだけでなく、音楽の色彩やテクスチャを豊かにする要素として用いました。彼の和声は、もはや美しいというよりも、むしろ「面白い」という感覚を聴く者に与えます。
ストラヴィンスキーの人間性
ストラヴィンスキーは、非常に知的な人物でした。彼は、作曲家としてだけでなく、指揮者、そして音楽理論家としてもその才能を発揮しました。彼は、ピカソやコクトーといった当時の芸術家たちとも親交を深め、自身の芸術を様々な形で表現しました。
彼は、自身の作品に対して非常に厳格であり、完璧主義者として知られていました。彼の音楽が持つ鋭さや厳格さは、彼のこの性格を反映しているのかもしれません。彼は、自身の芸術を、客観的で冷静な視点から捉えようとしました。
まとめ
イーゴリ・ストラヴィンスキーの人生は、音楽の伝統を破壊し、新しい音楽を創造するという、飽くなき挑戦の連続でした。彼は、故郷ロシアとの別離、そして時代の激動という苦難を乗り越え、音楽を常に進化させ続けました。
彼の音楽は、原始的なリズムから洗練された新古典主義、そして実験的なセリー主義まで、時代とともに変化し続けました。ストラヴィンスキーは、その生涯を通じて、自身の音楽を信じ続け、20世紀の音楽に最も大きな影響を与えた真の巨匠だったのです。
